Musiktheorie ist die Lehre davon, wie Musik aufgebaut ist und wie die einzelnen Elemente zusammenspielen, um harmonische, rhythmische und melodische Einheiten zu schaffen. Es ist eine Sprache, die es Musikern ermöglicht, präzise zu kommunizieren, unabhängig davon, welches Instrument sie spielen oder mit welchem Musikstil sie arbeiten.
In diesem Artikel erhältst du einen Überblick über grundlegende Begriffe wie Noten, Oktaven, Tonleitern, Tempo, Intervalle und vieles mehr. Für eine vertiefte Durchsicht spezifischer Themen wie Akkorde und Quintenzirkel verweisen wir auf unsere separaten Artikel.
Noten sind die Schriftsprache der Musik und werden verwendet, um sowohl Tonhöhe als auch Dauer anzuzeigen. Mithilfe von Noten können Musiker Musik lesen, schreiben und teilen, unabhängig von Instrument oder Genre. Wie Buchstaben in einem Alphabet bilden die Noten die Symbole, die zusammen einen musikalischen Satz ergeben.
Noten werden auf einem Notensystem geschrieben, das aus fünf waagerechten Linien und vier Zwischenräumen besteht. Jede Linie und jeder Zwischenraum repräsentiert einen bestimmten Ton, und welcher Ton das ist, hängt davon ab, welcher Schlüssel verwendet wird.
Der gebräuchlichste Schlüssel ist der Violinschlüssel -
Die musikalischen Töne werden mit A, B (oder H), C, D, E, F und G bezeichnet. In der dänischen Tradition wird oft H statt B verwendet, und das, was im Englischen B♭ genannt wird, heißt in Dänemark B. Nach G beginnt die Reihe wieder mit A – die Töne wiederholen sich in Oktaven.
Die Position auf den Linien einer Note gibt ihre Tonhöhe an. Je höher der Notenkopf platziert ist, desto höher der Ton. Wenn die Töne über die fünf Linien hinausgehen, werden Hilfslinien über oder unter dem Notensystem verwendet.
Das Aussehen und Zubehör des Notenkopfes zeigt, wie lange der Ton dauern soll. Hier sind die gebräuchlichsten Notenwerte:
Ganze und halbe Noten haben hohle Notenköpfe, während Viertel- und kürzere Noten gefüllte (schwarze) Köpfe haben. Kürzere Noten haben außerdem Balken oder Fähnchen am Notenhals.
In der Musik ist Stille genauso wichtig wie Klang. Pausen werden mit eigenen Symbolen notiert und haben die gleiche Dauer wie ihre entsprechenden Notenwerte. Eine ganze Pause dauert z. B. vier Schläge und wird hängend unter einer Linie platziert, während eine Viertelpause ihr eigenes geschwungenes Symbol hat.
Unten siehst du die gebräuchlichsten Pausenzeichen in der Notenschrift. Jede Pause entspricht einem Notenwert und zeigt Stille von gleicher Dauer an.
Es gibt viele weitere Elemente in der Notenschrift – u. a.:
Unten werden ausgewählte Symbole gezeigt, die in der Notenschrift häufig zusätzlich zu den eigentlichen Noten und Pausen verwendet werden:
Das Erlernen des Notenlesens eröffnet ein tieferes Verständnis für den Aufbau der Musik und erleichtert es, neue Stücke zu lernen, mit anderen zu spielen und Musik zu analysieren.
Eine Oktave ist das Intervall zwischen zwei Tönen, wobei der eine die doppelte oder halb so hohe Frequenz wie der andere hat. Auf dem Klavier wiederholt sich das Tonmuster mit jeder Oktave.
Hier ist ein Beispiel für zwei Oktaven von C-Dur auf dem Klavier:
Eine Tonleiter ist eine Reihe von Tönen, die in auf- oder absteigender Reihenfolge nach einem bestimmten Muster angeordnet sind. Die bekannteste ist die Dur-Tonleiter: Ganz – Ganz – Halb – Ganz – Ganz – Ganz – Halb.
Beispiel: C-Dur-Tonleiter
Siehe den untenstehenden Link zu unserem Artikel über Dur- und Moll-Tonleitern.
Ein Intervall ist der Abstand zwischen zwei Tönen, gemessen entweder in benannten Schritten (z.B. Terz, Quart, Quinte) oder in der Anzahl der Halbtöne.
Hier ein Beispiel für eine reine Quinte (C bis G):
Intervalle sind grundlegend sowohl für die melodische Bewegung (wie eine Melodie „auf und ab geht“) als auch für den harmonischen Aufbau (z.B. welche Töne gleichzeitig in einem Akkord gespielt werden).
Man benennt Intervalle danach, wie viele Schritte zwischen den beiden Tönen in der Skala liegen, einschließlich des Ausgangspunkts. Zum Beispiel ist der Abstand von C zu E eine Terz (C–D–E = 3 Schritte), und von C zu G eine Quinte (C–D–E–F–G = 5 Schritte).
Darüber hinaus gibt es übermäßige und verminderte Intervalle, die direkt über oder unter den normalen Intervallen liegen. Zum Beispiel ist der Abstand von C zu F# eine übermäßige Quart.
Intervalle werden verwendet, um zu beschreiben:
Das Gehör zu trainieren, Intervalle zu erkennen, ist ein wichtiger Teil des Gehörtrainings. Viele Intervalle haben charakteristische Klangempfindungen. Zum Beispiel klingt eine kleine Terz oft traurig, während eine reine Quinte stabil und offen klingt.
Das Tempo gibt an, wie schnell die Musik gespielt werden soll, gemessen in BPM. Klassische Bezeichnungen:
Eine Tonart (englisch: key) gibt an, welche Töne und Akkorde als Grundlage für ein Musikstück verwendet werden. Die Tonart wird typischerweise durch den Grundton (Tonika) definiert, von dem die Musik ausgeht, sowie ob die Skala in Dur oder Moll steht. Die Tonart bestimmt somit sowohl Melodik als auch Harmonik.
Wenn man sagt, dass ein Stück zum Beispiel in G-Dur steht, bedeutet das, dass die Musik die Töne der G-Dur-Tonleiter verwendet (G – A – H – C – D – E – F#), und dass G als harmonisches und melodisches Zentrum fungiert. Akkorde und Melodien kreisen im Allgemeinen um diesen Ton.
Die Tonart wird in Noten durch Vorzeichen (Kreuze ♯ oder b’s ♭) angegeben, die am Anfang des Notensystems platziert werden. Anzahl und Art der Vorzeichen bestimmen, welche Tonart verwendet wird. Beispielsweise hat D-Dur zwei Kreuze (F# und C#), während B♭-Dur zwei b’s (B♭ und E♭) hat.
Jede Dur-Tonart hat eine parallele Moll-Tonart, die die gleichen Töne und Vorzeichen verwendet, aber einen anderen Grundton hat. Zum Beispiel ist a-Moll parallel zu C-Dur, und e-Moll ist parallel zu G-Dur. Die beiden Tonarten teilen also Skala und Akkorde, haben aber unterschiedlichen Charakter und Klang.
Tonarten werden sowohl zur Analyse, Komposition als auch zur Improvisation verwendet. Wenn man die Tonart kennt, kann man:
Um den Zusammenhang zwischen Tonarten (insbesondere deren Vorzeichen und Beziehungen) zu verstehen, kann der Quintenzirkel verwendet werden. Er zeigt, wie Tonarten in einer logischen Struktur auf Basis von Quintenabständen zusammenhängen. Siehe den Link zu unserem Artikel über den Quintenzirkel unten.
Akkorde sind ein zentraler Bestandteil der Musiktheorie und bilden die Grundlage für die Harmonie in der meisten westlichen Musik. Ein Akkord entsteht, wenn drei oder mehr Töne gleichzeitig gespielt werden. Der grundlegendste Akkordtyp ist der Dreiklang, der aus einem Grundton, einer Terz und einer Quinte besteht.
Es gibt zwei Haupttypen von Dreiklängen: Dur-Akkorde und Moll-Akkorde. Ein Dur-Akkord hat eine große Terz (vier Halbtöne über dem Grundton), was ihm einen hellen und positiven Klang verleiht. Ein Moll-Akkord hat stattdessen eine kleine Terz (drei Halbtöne über dem Grundton), was ihm einen dunkleren und melancholischeren Charakter gibt. Die Quinte liegt fünf Töne über dem Grundton (sieben Halbtöne) und ist bei Dur und Moll gleich.
Beispiel:
Neben Dreiklängen gibt es auch Vierklänge, bei denen ein zusätzlicher Ton, z.B. eine Septime, hinzugefügt wird. Diese werden oft in Jazz, Pop und klassischer Musik verwendet, um komplexere Harmonien zu schaffen. Beispiele für Vierklänge sind Cmaj7 (C – E – G – H) und C7 (C – E – G – B♭).
Akkorde können in verschiedenen Umkehrungen gespielt werden, bei denen ein anderer Ton als der Grundton unten liegt. Dies verändert die Klangfarbe des Akkords und wird verwendet, um harmonische Verläufe abwechslungsreicher zu gestalten.
Dynamik beschreibt die Lautstärke, z.B. p (leise) und f (laut). Crescendo bedeutet allmählich lauter, Decrescendo allmählich leiser.
Mit dieser Einführung hast du die wichtigsten Bausteine, um Musiktheorie zu verstehen. Übe das Notenlesen, das Spielen von Tonleitern und das Erkennen von Intervallen – das ist das Fundament jeder musikalischen Entwicklung.
