La théorie musicale est l’étude de la façon dont la musique est construite et de la manière dont les différents éléments interagissent pour créer des ensembles harmoniques, rythmiques et mélodiques. C’est un langage qui permet aux musiciens de communiquer avec précision, quel que soit l’instrument qu’ils jouent ou le style de musique qu’ils pratiquent.
Dans cet article, vous trouverez un aperçu des concepts de base tels que les notes, les octaves, les gammes, le tempo, les intervalles et bien plus encore. Pour une étude approfondie de sujets spécifiques comme les accords et le cercle des quintes, nous vous renvoyons à nos articles séparés.
Les notes sont l’écriture de la musique et servent à indiquer à la fois la hauteur et la durée. Grâce aux notes, les musiciens peuvent lire, écrire et partager de la musique indépendamment de l’instrument ou du genre. Comme les lettres d’un alphabet, les notes sont des symboles qui, ensemble, forment une phrase musicale.
Les notes sont écrites sur une portée, composée de cinq lignes horizontales et de quatre interlignes. Chaque ligne et chaque interligne représente une note précise, et la note dépend de la clé utilisée.
La clé la plus courante est la clé de sol -
Les notes musicales sont nommées A, B (ou H), C, D, E, F et G. Dans la tradition danoise, on utilise souvent H au lieu de B, et ce qui est appelé B♭ en anglais est appelé B au Danemark. Après G, la série recommence à A – les notes se répètent en octaves.
La position sur les lignes d’une note indique sa hauteur. Plus la tête de note est placée haut, plus la note est aiguë. Si les notes dépassent les cinq lignes, on utilise des lignes supplémentaires au-dessus ou en dessous de la portée.
L’apparence de la tête de note et ses accessoires indiquent la durée de la note. Voici les valeurs de notes les plus courantes :
La ronde et la blanche ont des têtes creuses, tandis que la noire et les notes plus courtes ont des têtes pleines (noires). Les notes plus courtes ont également des barres ou des crochets sur la hampe.
En musique, le silence est aussi important que le son. Les silences sont notés avec leurs propres symboles et ont la même durée que leurs valeurs de notes correspondantes. Un silence de ronde dure par exemple quatre temps et se place suspendu sous une ligne, tandis qu’un silence de noire a son propre symbole crochu.
Vous trouverez ci-dessous les symboles de silence les plus courants en notation musicale. Chaque silence correspond à une valeur de note et indique un silence de même durée.
Il existe de nombreux autres éléments dans la notation musicale – notamment :
Vous trouverez ci-dessous des symboles couramment utilisés dans la notation musicale en plus des notes et des silences :
Apprendre à lire les notes permet une compréhension plus profonde de la structure de la musique et facilite l’apprentissage de nouveaux morceaux, le jeu en groupe et l’analyse musicale.
Une octave est l’intervalle entre deux notes dont l’une a une fréquence double ou moitié de l’autre. Sur le piano, le schéma des notes se répète à chaque octave.
Voici un exemple de deux octaves de do majeur au piano :
Une gamme est une série de notes disposées en ordre ascendant ou descendant selon un schéma précis. La plus connue est la gamme majeure : ton – ton – demi-ton – ton – ton – ton – demi-ton.
Exemple : gamme de do majeur
Voir le lien ci-dessous vers notre article sur la gamme majeure et mineure.
Un intervalle est la distance entre deux notes, mesurée soit en degrés nommés (par exemple tierce, quarte, quinte) soit en nombre de demi-tons.
Voici un exemple de quinte juste (do à sol) :
Les intervalles sont fondamentaux tant pour le mouvement mélodique (comment une mélodie “monte et descend”) que pour la construction harmonique (par exemple, quelles notes sont jouées simultanément dans un accord).
On nomme les intervalles selon le nombre de degrés entre les deux notes dans la gamme, en incluant le point de départ. Par exemple, la distance de do à mi est une tierce (do–ré–mi = 3 degrés), et de do à sol une quinte (do–ré–mi–fa–sol = 5 degrés).
Il existe également des intervalles augmentés et diminués, qui se situent juste au-dessus ou en dessous des intervalles normaux. Par exemple, la distance de do à fa# est une quarte augmentée.
Les intervalles servent à décrire :
S’entraîner à reconnaître les intervalles à l’oreille est une partie importante de la formation auditive. Beaucoup d’intervalles ont des sensations sonores caractéristiques. Par exemple, une tierce mineure sonne souvent mélancolique, tandis qu’une quinte juste sonne stable et ouverte.
Le tempo indique à quelle vitesse la musique doit être jouée, mesuré en BPM. Termes classiques :
Une tonalité (anglais : key) indique quelles notes et quels accords sont utilisés comme base pour une pièce musicale. La tonalité est généralement définie par la tonique (tonique), qui est la note de départ de la musique, ainsi que par le fait que la gamme est en majeur ou mineur. La tonalité détermine ainsi à la fois la mélodie et l’harmonie.
Quand on dit qu’une pièce est par exemple en sol majeur, cela signifie que la musique utilise les notes de la gamme de sol majeur (sol – la – si – do – ré – mi – fa#), et que sol fonctionne comme le centre harmonique et mélodique. Les accords et les mélodies tourneront principalement autour de cette note.
La tonalité est indiquée dans la partition à l’aide d’altérations (dièses ♯ ou bémols ♭), placées au début de la portée. Le nombre et le type d’altérations déterminent la tonalité utilisée. Par exemple, ré majeur a deux dièses (fa# et do#), tandis que si♭ majeur a deux bémols (si♭ et mi♭).
Chaque tonalité majeure a une tonalité mineure parallèle, qui utilise les mêmes notes et altérations, mais a une tonique différente. Par exemple, la mineur est parallèle à do majeur, et mi mineur est parallèle à sol majeur. Les deux tonalités partagent donc la gamme et les accords, mais ont un caractère et une couleur différents.
Les tonalités sont utilisées à la fois pour l’analyse, la composition et l’improvisation. Lorsque l’on connaît la tonalité, on peut :
Pour comprendre la relation entre les tonalités (en particulier leurs altérations et relations), on peut utiliser le cercle des quintes. Il montre comment les tonalités sont reliées dans une structure logique basée sur les intervalles de quinte. Voir le lien vers notre article sur le cercle des quintes ci-dessous.
Les accords sont une partie centrale de la théorie musicale et constituent la base de l’harmonie dans la plupart de la musique occidentale. Un accord se forme lorsque trois notes ou plus sont jouées simultanément. Le type d’accord le plus fondamental est la triade, qui se compose d’une tonique, d’une tierce et d’une quinte.
Il existe deux principaux types de triades : les accords majeurs et les accords mineurs. Un accord majeur a une tierce majeure (quatre demi-tons au-dessus de la tonique), ce qui lui donne un son clair et positif. Un accord mineur a à la place une tierce mineure (trois demi-tons au-dessus de la tonique), ce qui lui donne un caractère plus sombre et mélancolique. La quinte se situe cinq notes au-dessus de la tonique (sept demi-tons) et est la même dans les deux cas.
Exemple :
En plus des triades, il existe aussi des accords de septième (quatre sons), où l’on ajoute une note supplémentaire, par exemple une septième. Ceux-ci sont souvent utilisés dans le jazz, la pop et la musique classique pour créer des harmonies plus complexes. Exemples d’accords de septième : Cmaj7 (do – mi – sol – si) et C7 (do – mi – sol – si♭).
Les accords peuvent être joués dans différentes renversements, où une autre note que la tonique est la plus basse. Cela change la couleur sonore de l’accord et sert à créer de la variation dans les progressions harmoniques.
La dynamique décrit le volume sonore, par exemple p (doux) et f (fort). Crescendo signifie de plus en plus fort, decrescendo de plus en plus doux.
Avec cette introduction, vous avez les éléments essentiels pour comprendre la théorie musicale. Entraînez-vous à lire les partitions, à jouer des gammes et à reconnaître les intervalles – c’est la base de tout développement musical.
